Depois que a artista australiana Thea Proctor retornou de Londres na década de 20, um crítico apelidou sua arte de “perigosamente moderna”.
Sessenta anos depois, o crítico Bernard Smith apelidou mulheres como Proctor, que viajou para a Europa na virada do século e voltou com novos estilos e técnicas de pintura, simplesmente de “mensageiras”.
Esses artistas foram celebrados na Europa, como parte do florescente cenário artístico de Paris e Londres.
Em casa, grande parte do trabalho foi dispensado.
Na verdade, restam poucas obras de alguns desses artistas, incluindo a maioria dos nus de Edith Collier, que foram queimados por seu pai na Nova Zelândia.
Mas uma nova exposição na Artwork Gallery of New South Wales (AGNSW) em Sydney – depois de uma primeira temporada na Artwork Gallery of South Australia (AGSA) em Adelaide no início deste ano – corrige estas noções equivocadas sobre o papel das mulheres artistas na história da arte australiana.
É perigosamente moderno: mulheres artistas australianas na Europa 1890-1940 e apresenta mais de 200 obras de artistas conhecidos, como a primeira mulher vencedora do Archibald, Nora Heysen, e a pintora cubista Dorrit Black, ao lado de artistas menos conhecidos como Collier (e um de seus raros nus sobreviventes).
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Aqui estão seis pinturas que você não deve perder:
Fillette au perroquet (Menina com papagaio) de Bessie Davidson
Como muitas outras artistas australianas de sua geração, Bessie Davidson há muito desejava visitar Paris quando viajou para lá pela primeira vez, aos 25 anos, em 1904, com sua professora de arte Margaret Preston (mais sobre Preston mais tarde).
“Esses artistas realmente queriam estar no cenário mundial”, diz Elle Freak, curadora associada de arte australiana da AGSA.
“A escola nacional de arte [L’École des Beaux-Arts in Paris] aberto às mulheres em 1897, portanto surgiram novas oportunidades profissionais.
“Mas também, nos círculos boémios de Paris, eles tinham mais oportunidades de viver livremente – política, cultural, artística e sexualmente.”
Davidson mudou-se permanentemente para Paris em 1910, onde montou um ateliê em Montparnasse, foi cofundadora do Salon des Tuileries em 1923 e, a partir de 1930, atuou como vice-presidente da La Société Femmes Artistes Modernes, um grupo dedicado à promoção de mulheres artistas.
“Bessie Davidson tornou-se mais conhecida por seus retratos de interiores”, diz Freak. “Ela frequentemente retratava mulheres e crianças nas soleiras de seu apartamento em Paris – nas portas, nas varandas, nas janelas.”
Apenas duas exposições individuais do trabalho de Davidson foram realizadas na Austrália desde sua morte em 1965. (Fornecido: AGSA)
Um desses retratos de varanda é Fillette au perroquet (Menina com papagaio), de 1913.
Num ensaio, Freak diz que as pinturas domésticas de artes como Davidson podem ser vistas como “declarações de independência e libertação artística”.
“Neste momento, vemos [Davdison’s] a paleta está mudando dramaticamente”, diz Freak. “Há leveza na paleta e vibração no uso da cor, e é uma grande mudança em relação ao realismo tonal escuro de seus primeiros trabalhos.
“É muito típico de Davidson focar em uma menina. Ela pintou muitas de suas amigas e seus filhos, e está pintando essa menina completamente fixada no papagaio no canto superior direito.”
Eu por Justine Kong Sing
A menor pintura em Dangerously Fashionable é o autorretrato de Justine Kong Sing, Me, de cerca de 1912, que tem apenas 6,1 x 4,5 centímetros.
Enquanto esteve na Europa, Kong Sing expôs na Royal Academy of Arts de Londres e no Salão de Paris. (Fornecido: AGNSW)
É uma das oito obras sobreviventes conhecidas de Kong Sing – incluindo também um retrato de seu irmão Otto, um advogado – depois que uma chamada durante a temporada AGSA descobriu quatro miniaturas na casa de um de seus parentes distantes, que eles doaram para AGNSW.
“Dobrou o número conhecido de obras dela”, diz Wayne Tunnicliffe, diretor interino de coleções da AGNSW.
Filha de um mineiro e comerciante chinês que vive na região de NSW, Kong Sing só viajou para a Europa aos 43 anos, depois de juntar dinheiro para viajar trabalhando como governanta. Acredita-se que ela seja a primeira artista profissional chinesa australiana.
“Ela teve um forte impulso para ser uma artista ao longo de sua vida, mesmo que isso não fizesse parte de sua formação”, diz Tunnicliffe.
“Essas miniaturas, mesmo sendo minúsculas, têm mundos inteiros dentro delas e envolvem muito sobre sua vida e seu envolvimento com o mundo.”
A experiência de Kong Sing na Europa revelou-se libertadora. Numa carta de 1914, ela descreveu como ninguém a notou quando chegou a Londres, em forte contraste com o preconceito racial que sofreu na Austrália.
“Nas colónias, onde os estrangeiros são tratados de forma diferente, um oriental sofre profundamente a mortificação de ser encarado, e muitas vezes agredido, por causa da sua cor!” ela escreveu.
“Ela achou Londres mais receptiva do que a Austrália nesta época”, diz Tunnicliffe.
Tâmisa em Chelsea Attain por Dora Meeson
Enquanto artistas como Davidson pintavam cenas da vida doméstica, Dora Meeson, uma sufragista, resolveu pintar en plein air (ao ar livre).
Sua decisão foi artística e prática, já que ela dividiu um estúdio em Chelsea, Londres, com seu marido, o colega artista George Coates, que ela conheceu na escola de arte em Melbourne.
“Os dois não caberiam ali”, diz Tunnicliffe.
Ao longo de cerca de 40 anos, Meeson voltou repetidamente ao cenário do Rio Tâmisa, então uma das principais vias de tráfego de Londres. Uma dessas obras é Thames at Chelsea Attain, pintada por volta de 1913.
Meeson organizou seus colegas artistas, desenhou banners para marchas e até inscreveu seu marido como apoiador masculino do sufrágio feminino. (Fornecido: AGNSW)
“Este trabalho em specific mostra esta maravilhosa cena cinza prateada do Tâmisa; tanto pela neblina quanto pela poluição atmosférica refletindo a luz”, diz Tunnicliffe.
“O foco está nesses cascos escuros dos navios em funcionamento, mas cercados por essa luz e atmosfera. Ela também usa pinceladas muito evidentes para espalhar a tinta, para que você tenha uma noção de sua presença física como artista.”
Ao longo de sua vida, Meeson retornaria à Austrália para expor e vender o trabalho dela e de Coates, onde foram elogiados por sua habilidade, ao mesmo tempo em que abordavam o que então period considerado um assunto masculino.
Sua dedicação em apresentar seu trabalho às pessoas foi compartilhada por outros artistas na exposição, incluindo Thea Proctor e Hilda Rix Nicholas.
“Eles estavam comprometidos em serem artistas e [wanted] sua arte para ser vista e experimentada. Eles realmente divulgaram isso para o mundo”, diz Tunnicliffe.
Uma vista da costa irlandesa por Margaret Preston
Em 1914, Margaret Preston mudou-se por oito meses para a remota vila irlandesa de Bonmahon (hoje Bunmahon).
Naquele verão, ela, a então sócia Gladys Reynell e a artista Kiwi Edith Collier pintaram a cidade; suas três obras aparecem em Dangerously Fashionable.
Preston voltou com uma turma de mais de 20 mulheres artistas em 1915. Mas, depois que torpedos alemães afundaram o transatlântico britânico, o RMS Lusitania, naquele mês de maio, o governo irlandês proibiu pinturas da costa, temendo que transmitissem informações aos alemães.
Tunnicliffe diz que A vista da costa irlandesa é uma das duas únicas paisagens irlandesas conhecidas de Preston – ambas em exibição em Sydney.
Preston incentivou seus alunos a: “Deixe-se levar! Sinta o que você está fazendo. Sinta!” (Fornecido: AGNSW)
“Você pode ver como ela está incentivando sua prática”, diz ele.
“Ela period uma pintora tonal antes disso. [Her Irish landscapes are] pinturas marrons bastante mudas, [with] cores cremosas e pastéis e diagonais fortes. [She’s] influenciado por estampas japonesas, [using] contornos pretos ao redor das casas para destacá-las, o que é retirado da arte francesa.”
Saindo da Europa, Preston retornou a uma cena artística australiana conservadora, explica Tunnicliffe.
“O foco period a pintura de paisagem ao ar livre e temas nacionais; o trabalho masculino na paisagem”, afirma.
“Margaret Preston voltou e disse: ‘Há uma outra maneira de ter uma língua nacional’, e ela fez isso através de pinturas de naturezas mortas e incluindo plantas indígenas e referências à cultura aborígine.
“[These paintings of Bonmahon] realmente são uma semente chave para o modernismo na Austrália na década de 1920.”
Tipo do Quartier Latin por Agnes Goodsir
Agnes Goodsir tinha cerca de 30 anos quando decidiu se mudar para Paris, em 1900.
“O objetivo dela period se encontrar”, diz Freak.
Ela period mais conhecida por suas representações de mulheres cosmopolitas, incluindo sua parceira, a musicista americana Rachel Dunne, apelidada de Cherry.
“Eles formaram um relacionamento realmente maravilhoso que durou muitos anos”, diz Freak.
“Quando Goodsir faleceu, foi Dunne quem cuidou de seu legado e de seu arquivo, que incluiu o envio de obras para sua casa na Austrália.”
Cereja é o tema da pintura Sort of the Latin Quarter de Goodsir, de cerca de 1926.
“Não creio que os críticos na Austrália que estavam analisando [Goodsir’s] A exposição em 1927 realmente viu a codificação queer em seus trabalhos”, diz Freak. (Fornecido: AGNSW)
“Muitas vezes, seus trabalhos sugeriam o ambiente muito liberado em que viviam em Paris”, diz Freak.
“Por exemplo, há indícios de simbolismo sáfico codificado neste trabalho, incluindo um anel no dedo mínimo de Rachel, que period, em alguns círculos de Paris na década de 1920, um símbolo estranho. Period frequentemente usado por sufragistas, mulheres lésbicas ou feministas da primeira onda.”
Goodsir retornou brevemente à Austrália em 1927, onde realizou uma exposição de seu trabalho, que incluía Sort of the Latin Quarter. Os críticos conservadores elogiaram sua arte por seu realismo.
“Havia uma sensação de que ela não estava adotando os ‘ismos’ mais progressistas da época”, diz Freak.
“Mas, na verdade, sabemos que se você olhar além da superfície de suas obras, ela certamente period uma mulher moderna e suas obras são mais sutilmente, talvez, mas mesmo assim, representações radicais incríveis da época.”
Autorretrato de Stella Bowen
Emblem depois de se mudar de Adelaide para Londres, aos 20 anos, em 1914, Stella Bowen se misturou com escritores e artistas como TS Eliot, WB Yeats, Gertrude Stein e Edith Sitwell.
Lá, ela também conheceu o escritor Ford Madox Ford, 20 anos mais velho que ela. Eles tiveram uma filha em 1920.
Mas quando Bowen pintou este autorretrato, por volta de 1928, o casal estava se separando após nove anos juntos. Ele teve um caso com a escritora Jean Rhys, que detalhou o relacionamento deles em seu romance de estreia, Quarteto.
“[Bowen] não é tão conhecida como alguns de seus contemporâneos do sexo masculino e algumas de suas contemporâneas do sexo feminino na Austrália”, diz Freak. (Fornecido: AGSA/Saul Steed)
“Vemos neste trabalho Stella Bowen trabalhando no auge de seu poder como uma artista que expressa emoção e profundidade psicológica”, diz Freak.
“[She] nos dá um olhar tão penetrante. Seus olhos estão fixos nos nossos e ela cortou deliberadamente a composição para que nos concentrássemos em seu avental de tinta e na incrível quietude de seu estado emocional.
“Neste momento, quando ela estava se separando de Ford Madox Ford, ela falou sobre a necessidade de encontrar sua forma novamente e de se encontrar.
“Você realmente entende isso aqui. Ela está nos dizendo que é uma artista. Ela pode estar passando por um momento difícil, mas estava trabalhando para uma exposição de seu trabalho em 1931 que lhe proporcionaria um momento de grande sucesso.”
Freak sugere que artistas como Bowen podem ter pintado autorretratos como este porque a sua viagem à Europa marcou não apenas um avanço profissional, mas uma transformação pessoal.
“Que melhor maneira de pensar onde você está no mundo do que pintar a si mesmo.”
Perigosamente Moderno: Mulheres Artistas Australianas na Europa 1890-1940 está na Artwork Gallery of New South Wales até 15 de fevereiro.
