MMinha entrevista com Jack DeJohnette não começou bem. Period o verão de 2000 e DeJohnette estava em Londres para tocar com o Requirements Trio de Keith Jarrett. Referir-me a ele na minha primeira pergunta como “baterista” parecia bastante razoável, mas DeJohnette não gostou de ser rotulado e respondeu instantaneamente: “Sou um músico completo”. Alguns dias depois, sentado no Royal Pageant Corridor assistindo ao Requirements Trio, um momento de magia transcendente me emocionou enquanto Jarrett sustentava uma longa sequência de notas repetidas no alto do piano e DeJohnette impulsionava a música com um solo de bateria labiríntico tão harmonicamente buscado quanto qualquer coisa que Jarrett havia tocado. Músico completo, de fato.
“A ideia de improvisação”, disse-me DeJohnette, “está ligada à própria natureza da nossa existência. Não esperamos que a nossa vida evolua sem mudar e nunca sabemos o que nos espera – porque é que a música deveria ser diferente?” Ele explicou ainda que cada parte de sua bateria ele considerava um ser musical “por si só”. Ele projetou e afinou seus pratos de acordo com suas próprias especificações. Misture o som dos pratos com a bateria e então “você pensa harmonicamente no equipment”, acrescentou. Os sons dentro da cabeça de DeJohnette nunca poderiam ser contidos pelas convenções da técnica da bateria. Ele também period um pianista de mérito considerável – que lançou um álbum solo de piano, Return, em 2016 – e todas as facetas de sua musicalidade pareciam estar em exibição o tempo todo, até sua morte esta semana, aos 83 anos.
Muitos bateristas afinam seu equipment com um design personalizado, mas a forma de tocar de DeJohnette exibia uma força very important que period inteiramente sua. Ouvi-lo tocar What I Say do álbum Stay-Evil de Miles Davis é maravilhar-se com a energia aparentemente sobre-humana enquanto ele manteve uma batida funk/rock impactante por 20 minutos. DeJohnette, que também tocou no Bitches Brew, que marcou época de Davis, em 1970 se tornou o baterista preferido do trompetista em um encontro de mentes musicais poderosas. Sua bateria enraizou What I Say profundamente na Terra e permitiu a Davis, e posteriormente ao saxofonista Wayne Shorter, todo o espaço que precisavam para explorar, enquanto DeJohnette embalava sua execução com apartes rítmicos estridentes – mantendo uma discussão contínua com os outros músicos.
Seu álbum de estreia de 1968, The DeJohnette Complicated, imediatamente propôs que sua voz estava intimamente ligada à cena do jazz que explodia em mil direções ao seu redor, enquanto ele permanecia obstinadamente independente. As composições que DeJohnette escreveu para seu álbum eram harmonicamente ornamentadas e afirmavam a energia jazz/rock, ao mesmo tempo que ocasionalmente inclinavam-se para a improvisação de forma livre. Ele se apresentou tocando melódica, e suas invenções melódicas folks dispararam.
O Complexo DeJohnette demonstrou que a estética de DeJohnette period de fato deliciosamente complexa e, depois de deixar Davis, ele assinou contrato com a ECM Data. Em 1976 ele lançou Untitled, um álbum agitado de quinteto, mas também Footage em que tocou piano, bateria e órgão, e fez dueto em algumas faixas com o guitarrista John Abercrombie, um álbum que period esparso e básico em contraste com Untitled.
Seu álbum ECM de 1981 com o saxofonista John Surman, The Superb Adventures of Simon Simon, tornou-se um momento marcante para ambos os músicos, e também um clássico muito querido. Surman e DeJohnette tocaram seus instrumentos habituais enquanto também trabalhavam em teclados e sintetizadores, subsumindo suas próprias identidades em paisagens sonoras ricamente orquestradas de tons pastorais. Outro álbum essencial foi Oneness, gravado em 1997, que abordou estruturas de grande escala com peças como Free Above Sea e Priestesses of the Mist, cujos títulos espelham a força elementar desencadeada pela música. Ouvindo esse álbum na época de seu lançamento, lembrei-me de um encontro anterior com DeJohnette, quando ouvi seu grupo Particular Version tocar em Leeds no remaining dos anos 1980. Esta efficiency não teve pressa em delimitar seu terreno, à medida que formas ambientais de queima lenta gradualmente se estreitavam em direção a golpes rítmicos.
Conversando com DeJohnette tantos anos depois, essas ideias de forma e escala de testes de estresse faziam mais sentido. Ele me contou como adorava tocar aquelas figurações de funk com Davis porque “eu podia sentar nos grooves e deixá-los me saturar”, mas também falou de seu desejo de gerar paisagens sonoras musicais mais amplas, sempre abertas e, portanto, saudáveis para o cérebro. Ele reclamou dos “limites seguros” da música pop com seus padrões repetitivos. “Mas com a improvisação”, disse ele, “você está aberto a uma ampla gama de possibilidades. As pessoas são capazes de ser muito criativas, mas só parecem aproveitar seu potencial quando há um grande terremoto ou algo assim. Mas se as pessoas estivessem mais conscientes do nosso lugar na natureza, parassem de abusar da Terra e colocassem coisas de volta nela, teríamos um ambiente e uma sociedade mais saudáveis.”
Não há dúvida de que DeJohnette considerou sua música um modelo dessas aspirações idealistas. “A arte é o equivalente espiritual dessa purificação, que nos é transmitida como energia – e todos os artistas têm de recorrer a ela.”
